Música del Renacimiento Inglés
La música del Renacimiento inglés representa un periodo vibrante y transformador en la historia de la música occidental, caracterizado por innovaciones significativas en la composición, performance y estética musical. Entre los siglos XV y principios del XVII, Inglaterra experimentó una floreciente era de creatividad y cambio, reflejado en las ricas polifonías de la música sacra, la delicadeza emotiva de los madrigales y la variedad de instrumentos musicales que adornaban las cortes y las iglesias.
Este periodo no solo estuvo marcado por el desarrollo de nuevas formas musicales y técnicas de composición, sino también por el auge de figuras emblemáticas cuyas obras aún resuenan en la cultura contemporánea. Compositores como Thomas Tallis y William Byrd, entre otros, llevaron la música inglesa a nuevas alturas con sus innovadoras obras, dejando un legado duradero que aún hoy es estudiado, interpretado y venerado.
Época de explendor
¿Qué es la música del Renacimiento?
La música del Renacimiento se refiere al estilo musical europeo que prevaleció aproximadamente entre 1400 y 1600. Esta era marca una clara ruptura con la música medieval y un movimiento hacia la redescubierta filosofía y arte de la antigua Grecia y Roma, lo que influenció profundamente en el estilo y la estructura musical. Las características definitorias de la música del Renacimiento incluyen el uso de armonía más rica y texturas más complejas, una preferencia por la melodía fluida y la polifonía (uso de varias líneas melódicas independientes simultáneamente).
La música del Renacimiento también vio el desarrollo de formas musicales que serían fundamentales para la tradición occidental, como la misa, el motete, la canción madrigal y el laúd. En términos de notación, se hicieron mejoras significativas que permitieron una escritura y distribución musical más precisa y extensa. La impresión musical, que comenzó en el siglo XVI, jugó un papel crucial en la difusión de las ideas musicales.
Contexto histórico de Inglaterra en el Renacimiento
El Renacimiento en Inglaterra, que se extendió aproximadamente desde finales del siglo XV hasta principios del siglo XVII, fue un periodo de grandes cambios y desarrollos en muchos ámbitos, incluyendo la música. Inglaterra, en esta época, experimentó una relativa estabilidad política después de las turbulentas Guerras de las Rosas, lo que permitió un florecimiento en las artes y la cultura.
Durante este tiempo, Inglaterra vio un aumento en el mecenazgo artístico tanto de la monarquía como de la aristocracia, lo que permitió a los músicos y compositores prosperar. La Reforma Protestante, iniciada en el reinado de Enrique VIII y continuada por sus sucesores, también tuvo un profundo impacto en la música sacra, con una mayor énfasis en la simplicidad y la comprensibilidad del texto, lo que llevó a cambios en la composición musical religiosa.
El intercambio cultural entre Inglaterra y el continente europeo introdujo nuevas ideas y estilos musicales. Compositores como Thomas Tallis y William Byrd personifican la riqueza y complejidad de la música del Renacimiento inglés, mostrando tanto influencia continental como una distintiva voz inglesa. A su vez, la música inglesa del Renacimiento también influenció el desarrollo musical en Europa.
Características de la música renacentista inglesa
Polifonía compleja
Una característica distintiva donde múltiples líneas melódicas se entrelazan independientemente pero de manera armoniosa, creando una textura rica y detallada.
Armonía suave
Transición de las cuartas y quintas perfectas de la música medieval a terceras y sextas consonantes, dando lugar a una sonoridad más suave y placentera.
Uso de modos
Aunque el sistema tonal moderno aún no estaba en uso, la música del Renacimiento utilizaba una variedad de modos (escalas musicales), lo que proporcionaba una diversa paleta de colores y emociones musicales.
Textura imitativa
Popularización de la imitación, donde las voces o instrumentos repiten o hacen eco de temas musicales introducidos por otras voces, añadiendo complejidad y cohesión a la pieza.
Importancia del texto
En la música vocal, había un énfasis en la claridad del texto y en cómo la música podía realzar su significado y expresividad, especialmente evidente en géneros como el madrigal y las composiciones religiosas.
Innovación en instrumentación
Ampliación y diversificación de los instrumentos utilizados, incluyendo vihuelas, laúdes, flautas, cornettos y una variedad de percusión, que enriquecían el sonido de las composiciones.
Variedad en formas musicales
Florecimiento de diversas formas musicales, tanto sacras (misas, motetes) como seculares (madrigales, ayres, danzas), reflejando una rica cultura musical.
Influencia del humanismo
La música reflejaba el interés renacentista en la antigüedad clásica, la belleza natural y la expresión humana, aspectos centrales del humanismo.
Cada una de estas características contribuyó a un estilo distintivo y profundamente influyente, que no solo caracterizó la música del período del Renacimiento en Inglaterra sino que también dejó un legado duradero en la historia de la música occidental.
Instrumentación
Durante el Renacimiento inglés, la instrumentación experimentó una evolución significativa, dando lugar a una diversidad de sonidos y texturas en la música. Los instrumentos se dividían en categorías basadas en el material y el método de producción del sonido: instrumentos de cuerda, viento y percusión.
- Cuerdas: El laúd era el instrumento de cuerda más popular, utilizado tanto en la música solista como en el acompañamiento. Otros instrumentos de cuerda incluyen la vihuela, el rebec y la viola da gamba, cada uno con su propia textura y sonido distintivos.
- Viento: Los instrumentos de viento como la flauta dulce, el shawm (precursor del oboe moderno), y el cornetto eran comunes. Estos instrumentos a menudo animaban las celebraciones y eventos sociales, además de ser utilizados en contextos litúrgicos.
- Percusión: Los instrumentos de percusión no eran tan prominentes como las cuerdas y los vientos, pero aún así desempeñaban un papel en la música del Renacimiento, especialmente en la música para danza y en contextos ceremoniales.
Armonía y Melodía
La música del Renacimiento en Inglaterra se caracterizó por una mayor atención a la armonía y la melodía. Durante este periodo, la música pasó de la monofonía medieval a una rica polifonía, donde varias líneas melódicas se entrelazaban de manera compleja pero armoniosa.
- Armonía: La armonía del Renacimiento se centró en terceras y sextas más suaves en lugar de las cuartas y quintas perfectas de la música medieval. El uso de disonancias se controlaba cuidadosamente y se resolvía de manera que proporcionara una sensación placentera al oído.
- Melodía: Las líneas melódicas eran fluidas y expresivas, con un uso más amplio de escalas y modos. La imitación, donde una voz repite la melodía que otra ha comenzado, fue una técnica común, agregando una textura contrapuntística a la música.
Formas y Géneros musicales
El Renacimiento inglés fue testigo de la florecimiento de numerosas formas y géneros musicales, tanto en el ámbito secular como en el religioso.
- Música Sacra: Las misas y motetes fueron las principales formas de música sacra. La Reforma llevó a la creación de himnos y servicios en inglés, que buscaban ser más accesibles al público en general. La polifonía compleja era una característica distintiva de la música sacra renacentista.
- Música Secular: El madrigal inglés, aunque derivado del italiano, desarrolló características propias. Otros géneros incluían ayres, canciones y piezas instrumentales para conjuntos o solistas. La música para danza, como pavanas y gallardas, también era popular y mostraba una estructura rítmica y melódica más repetitiva y simple.
- Consorcios Instrumentales: Los consorcios eran conjuntos de instrumentos similares o mixtos que interpretaban música de cámara. Estos grupos variaban en tamaño y composición, adaptándose a la música vocal o puramente instrumental.
Grandes Compositores del Renacimiento Inglés
La música del Renacimiento inglés es testigo de una era dorada de innovación y belleza, una época en la que los compositores exploraron nuevas fronteras de la expresión musical y dejaron un legado perdurable en la historia de la música. Esta sección se dedica a explorar la vida y obra de algunos de los compositores más influyentes de la época, cuyas contribuciones no solo definieron el sonido de su tiempo, sino que también influyeron en generaciones de músicos y oyentes.
El período del Renacimiento en Inglaterra produjo una serie de figuras musicales cuyo impacto se siente hasta el día de hoy. Compositores como Thomas Tallis, William Byrd, John Dowland y muchos otros, no solo dominaron el arte de la polifonía y la armonía, sino que también expandieron el alcance emocional y espiritual de la música. A través de sus misas, motetes, madrigales y ayres, mostraron una maestría en la fusión de palabras y música, dando vida a textos religiosos y seculares con una profundidad hasta entonces inimaginable.
Thomas Tallis (1505-1585)
Thomas Tallis es una figura emblemática de la música del Renacimiento inglés, conocido por su versatilidad en la composición y su habilidad para adaptarse a los cambiantes gustos y demandas religiosas de su tiempo. Fue un maestro de la polifonía y dejó un legado duradero en la música sacra.
Thomas Tallis nació alrededor de 1505 y falleció en 1585. Aunque los detalles específicos de su vida temprana son escasos, es evidente que se convirtió en uno de los músicos más importantes de su tiempo. Tallis sirvió en varias capillas reales a lo largo de su carrera, componiendo y actuando para varios monarcas ingleses, incluidos Enrique VIII, María I y Isabel I. Esta posición no solo le brindó un alto grado de estabilidad y reconocimiento sino también la oportunidad de experimentar y refinar su arte.
A lo largo de las diferentes reinas y reformas religiosas, Tallis mostró una notable capacidad para adaptar su estilo. Desde la compleja polifonía católica hasta las más sencillas y comprensibles piezas anglicanas, su música reflejó y se adaptó a los cambios religiosos y culturales de Inglaterra durante este tumultuoso período.
Obras destacadas
Las composiciones de Thomas Tallis cubren un amplio rango, desde misas y motetes hasta himnos y otras piezas litúrgicas. Algunas de sus obras más destacadas incluyen:
“Spem in alium”: Quizás su obra más famosa, es un motete para 40 voces independientes. Es una hazaña de polifonía que muestra su habilidad para crear una rica textura musical que sigue siendo una de las piezas más admiradas del Renacimiento.
“Lamentations of Jeremiah”: Este conjunto de piezas muestra a Tallis en su modo más introspectivo y expresivo. Las lamentaciones son conocidas por su emotiva interpretación del texto bíblico y su compleja y devota textura musical.
“If ye love me”: Este es un ejemplo de sus composiciones más sencillas y accesibles, compuesto durante el reinado de Eduardo VI como parte de la Reforma Inglesa. Esta pieza muestra cómo Tallis pudo adaptarse al nuevo estilo de música religiosa inglesa, que requería claridad en el texto y una expresión más directa.
La música de Tallis no solo reflejó los cambios religiosos y culturales de su tiempo sino que también influyó en las generaciones futuras. Su habilidad para combinar la complejidad técnica con una profunda expresividad emocional aseguró que su música no solo sobreviviera sino que continuara inspirando a oyentes y músicos por siglos.
William Byrd (1540 -1623)
William Byrd es uno de los compositores más destacados del Renacimiento inglés y una figura central en la historia de la música occidental. Su vida y obra abarcan un periodo de profundos cambios religiosos y culturales, y su música refleja una amplia gama de estilos y formas.
William Byrd nació alrededor de 1540 y murió en 1623. Fue alumno de Thomas Tallis y juntos recibieron un monopolio real para la impresión de música. Byrd trabajó en varias capillas y cortes, incluida la Capilla Real, donde compuso y actuó para la realeza inglesa. A lo largo de su vida, Byrd se mantuvo católico en una época de intensa persecución religiosa, lo que influenció profundamente su música y vida personal.
Byrd vivió durante el reinado de Isabel I, una época de gran florecimiento cultural pero también de conflictos religiosos. A pesar de su fe católica en un tiempo de predominancia protestante, logró mantener una posición de prestigio y respeto, aunque no sin dificultades y controversias.
Contribuciones musicales
Byrd fue un prolífico compositor con una amplia gama de obras que incluyen música sacra y secular. Algunas de sus contribuciones más notables incluyen:
Música para teclado: Byrd fue un innovador en la música para teclado, escribiendo numerosas piezas para virginal y órgano. Su música para teclado es altamente variada, incluyendo danzas, variaciones y fantasías.
Música Sacra: Compuso una cantidad significativa de música sacra, incluyendo misas y motetes. Su obra católica, escrita en un tiempo de represión religiosa, es particularmente emotiva y profunda.
Madrigales y canciones: Byrd también compuso música secular, incluyendo canciones y madrigales, mostrando su habilidad para la poesía y el drama musical.
Legado
El legado de William Byrd es inmenso, influenciando a generaciones de compositores después de él. Su habilidad para componer en una variedad de estilos, junto con su maestría técnica y expresiva, lo estableció como un modelo a seguir para futuros músicos. Las siguientes son algunas de las áreas donde su legado es más notable:
Innovación y Maestría Técnica: Byrd llevó la música del Renacimiento a nuevos niveles de complejidad y expresión, especialmente en su música para teclado y sus obras polifónicas sacras.
Perseverancia y Fe: La vida de Byrd como católico en un país protestante es un testimonio de su compromiso con su fe y su arte, lo que inspira no solo por su música sino también por su carácter personal.
Influencia Educacional: Byrd no solo fue un compositor, sino también un maestro, dejando una huella duradera en sus estudiantes y en la música inglesa en general.
William Byrd es recordado no solo por la belleza y complejidad de su música sino también por su resiliencia y profunda humanidad en tiempos de cambio y adversidad. Su obra continua siendo interpretada, estudiada y admirada, manteniendo viva la riqueza del Renacimiento inglés para las futuras generaciones.
Formas Musicales y Géneros del Renacimiento Inglés
El Renacimiento fue una época de rica experimentación y diversificación en las formas musicales y géneros. Desde la profundidad espiritual de la música sacra hasta la vivacidad y el ingenio de la música secular, los compositores del Renacimiento exploraron una amplia gama de expresiones musicales.
Música Sacra
La música sacra del Renacimiento reflejó la profundidad de la devoción religiosa y la complejidad de la liturgia de la época. Dos de las formas más prominentes de música sacra fueron las misas y los motetes, además de la salmodia e himnos que se popularizaron con la Reforma.
Misas y Motetes
Misas: La misa es una forma musical que estructura la liturgia católica. Durante el Renacimiento, se convirtió en un vehículo para la experimentación musical y la expresión de la fe. Los compositores escribían misas polifónicas que utilizaban la técnica del canto llano como fundamento para elaboradas texturas polifónicas. Las misas podían ser ciclos completos que incluían todas las secciones de la liturgia o misas más breves centradas en partes específicas.
Motetes: El motete era otra forma importante de música sacra y se caracterizaba por su texto religioso y su uso en servicios y ocasiones especiales. A diferencia de la misa, los motetes eran más flexibles en términos de texto y música, a menudo utilizando textos bíblicos o litúrgicos. La polifonía en los motetes alcanzó una gran complejidad y belleza, con cada voz entrelazada intrincadamente con las demás.
Salmodia e Himnos
Salmodia: La salmodia implica el canto de salmos, a menudo con una fórmula melódica que se repite para cada verso. Este género fue particularmente importante en la tradición protestante, donde el canto congregacional de salmos se convirtió en una parte central del servicio religioso.
Himnos: Los himnos son canciones religiosas de alabanza o adoración. Durante el Renacimiento, los himnos evolucionaron para incluir una mayor variedad de textos y melodías, y comenzaron a ser escritos en lenguas vernáculas, haciéndolos más accesibles a la congregación.
Música Secular
La música secular del Renacimiento ofreció un contraste con la música sacra, ofreciendo entretenimiento, expresión artística y un medio para la narración de historias y la expresión de emociones personales.
Madrigales
Madrigales: El madrigal fue una de las formas más importantes de música secular. Originarios de Italia, los madrigales se popularizaron en toda Europa y se adaptaron a las tradiciones locales. Se caracterizan por su texto poético y la utilización de la palabra pintada, don
Ayres y Canciones
Ayres: Los ayres son canciones solistas o para pequeños grupos acompañados generalmente por un laúd. Este género refleja una forma más íntima de expresión musical, a menudo centrada en temas de amor, naturaleza o filosofía.
Canciones: Las canciones del Renacimiento venían en varias formas y podían ser tanto religiosas como seculares. Abarcaban desde sencillas melodías populares hasta elaboradas composiciones polifónicas.
Danzas cortesanas
Las danzas cortesanas eran una parte vital del entretenimiento y de la vida social en las cortes europeas. Incluían formas como la pavana (una danza lenta y solemne) y la gallarda (más rápida y animada). Estas danzas a menudo requerían música compleja y elaborada y se tocaban en una variedad de contextos, desde bailes formales hasta teatros y festivales.
Instrumentos del Renacimiento Inglés
El Renacimiento inglés fue un período de grandes avances en la fabricación y el uso de instrumentos musicales. Los compositores y músicos experimentaron con nuevas formas de sonido y timbre, dando lugar a una rica variedad de instrumentos que definieron la música de la época. Los instrumentos pueden categorizarse en cuerda, viento y percusión, cada uno con características y roles únicos en la música.
Instrumentos de Cuerda
Los instrumentos de cuerda dominaron la música del Renacimiento inglés, ofreciendo una amplia gama de sonidos y siendo centrales en la música tanto secular como sacra.
Laúd
El laúd fue uno de los instrumentos más populares y emblemáticos del Renacimiento. Con sus profundas raíces en la tradición árabe, el laúd se adaptó y evolucionó en Europa hasta convertirse en un símbolo del refinamiento musical de la época. Era principalmente un instrumento solista pero también se usaba en conjuntos y para acompañar a cantantes. Los laúdes tenían una forma abombada característica, un mástil largo y una serie de cuerdas dobles llamadas órdenes. La música para laúd era altamente expresiva, variada y se centraba tanto en piezas rítmicas como melódicas.
Vihuela
La vihuela, similar en forma al laúd, era un instrumento de cuerda pulsada más común en España, pero también se utilizaba en Inglaterra. Tenía un cuerpo plano en lugar del fondo redondeado del laúd y se tocaba de manera similar. La vihuela era apreciada por su tono cálido y melódico y se utilizaba tanto en contextos solistas como de conjunto. Su repertorio variaba desde piezas polifónicas hasta canciones acompañadas y danzas.
Instrumentos de Viento
Los instrumentos de viento eran fundamentales en la música de baile, ceremonias y ocasiones públicas, brindando un contraste dinámico con los instrumentos de cuerda.
Flautas
Las flautas del Renacimiento variaban en tamaño desde pequeñas flautas soprano hasta grandes bajos, cada una con un tono y alcance únicos. La flauta dulce era especialmente popular debido a su dulce tono y flexibilidad. Estos instrumentos eran a menudo hechos de madera y tenían un sistema de orificios y una embocadura que permitían una amplia variedad de tonos y dinámicas. Las flautas se utilizaban en música de cámara, en conjuntos de flautas y, ocasionalmente, en contextos solistas.
Cornettos
El cornetto era un instrumento de viento hecho de madera y a menudo cubierto de cuero. Tenía una boquilla similar a la de la trompeta y un cuerpo curvo con agujeros como una flauta. El sonido del cornetto era brillante y penetrante, lo que lo hacía popular en la música sacra, especialmente para reforzar o imitar partes corales.
Instrumentos de Percusión
La percusión proporcionaba ritmo y estructura a la música de baile y era esencial en la música militar y ceremonial.
Tamboriles
Los tamboriles eran pequeños tambores de mano que a menudo se tocaban junto con una flauta o un pífano. Eran instrumentos portátiles y versátiles que se utilizaban en una variedad de contextos, desde la música de baile hasta los desfiles y la música militar.
Timbales
Los timbales eran grandes tambores que se tocaban en pares y se utilizaban principalmente en música ceremonial y militar. Producían un sonido resonante y poderoso que podía ser escuchado a grandes distancias, haciéndolos indispensables en festivales, celebraciones y en el campo de batalla.
Conclusión
Los instrumentos del Renacimiento inglés reflejaban una era de experimentación y disfrute de la música. La diversidad de sonidos y estilos disponibles permitió a los músicos de la época explorar nuevas posibilidades creativas y emocionales, enriqueciendo la cultura musical y dejando un legado que aún se aprecia y estudia hoy en día.
Análisis de Obras musicales del renacimiento ingles
"Spem in Alium" de Thomas Tallis
“Spem in Alium” es quizás una de las piezas más famosas del Renacimiento inglés, compuesta alrededor de 1570. Es un motete para 40 voces independientes divididas en ocho coros de cinco voces cada uno. La obra es conocida por su complejidad técnica y su rica textura polifónica, creando un impresionante paisaje sonoro que se mueve y cambia constantemente. La pieza es una muestra del genio de Tallis para crear música que no solo es compleja sino profundamente emotiva.
"If Ye Love Me" de Thomas Tallis
Esta es una pieza más íntima y menos compleja que “Spem in Alium”, pero no menos hermosa. “If Ye Love Me” es un himno anglicano compuesto durante el reinado de Enrique VIII. La pieza es conocida por su texto claro y directo, así como por su uso efectivo de la polifonía para realzar el significado del texto. Es un excelente ejemplo de cómo la música del Renacimiento inglés podía ser tanto devocional como emocionalmente resonante.
"My Ladye Nevells Booke" de William Byrd
“My Ladye Nevells Booke” es una colección de música para teclado compuesta por William Byrd alrededor de 1591. Incluye una variedad de piezas, desde danzas hasta piezas más complejas y meditativas. La colección es notable no solo por la belleza y variedad de la música sino también por ser una de las pocas colecciones de música para teclado de la época que ha sobrevivido completa. Es un testimonio del virtuosismo y la expresividad de Byrd como compositor.
"As Vesta Was from Latmos Hill Descending" de Thomas Weelkes
Esta pieza es un madrigal de Thomas Weelkes, publicado en 1601. Es conocido por su texto vívido y descriptivo, así como por su uso ingenioso de la imitación y el contrapunto para pintar imágenes musicales. La canción describe la diosa Vesta y sus seguidoras descendiendo de una colina, utilizando la música para evocar el movimiento y la emoción del texto. Es un excelente ejemplo de cómo los compositores del Renacimiento inglés utilizaban la música para contar historias y evocar imágenes y emociones complejas.
Recursos y Aprendizaje Adicional sobre la Arquitectura del Renacimiento Inglés
Para aquellos interesados en profundizar en la música del Renacimiento inglés, existen numerosos recursos y opciones de aprendizaje que pueden enriquecer su comprensión y apreciación de este período musical. Aquí algunos de ellos:
Libros y Publicaciones
- “Music in the Renaissance” por Gustave Reese: Este libro es una referencia exhaustiva sobre la música del Renacimiento, incluyendo capítulos específicos sobre la música en Inglaterra.
- “The Oxford History of English Music: From the Beginnings to c.1715” por John Caldwell: Este libro ofrece una mirada detallada a la música inglesa, incluyendo el período del Renacimiento.
- “English Music in the Sixteenth Century” por Hugh Benham: Focalizado en la música específicamente durante el siglo XVI, este libro ofrece análisis y contexto cultural.
Sitios Web y Bases de Datos
- IMSLP (International Music Score Library Project): Una biblioteca de partituras gratuitas, incluyendo muchas obras del Renacimiento inglés.
- Early Music Sources: Un sitio web dedicado a la música temprana, con muchos recursos sobre cómo interpretar y entender la música del Renacimiento.
Cursos y Programas Educativos
- “The Renaissance: The Music of Josquin Des Prez” en Coursera: Aunque se centra en un compositor franco-flamenco, este curso proporciona un buen contexto general del período.
- Programas de estudio en universidades y conservatorios: Muchas instituciones ofrecen cursos específicos en música antigua o musicología con un enfoque en el Renacimiento.
Festivales y Eventos
- The Early Music Festival: Eventos que suelen presentar música del Renacimiento, incluyendo actuaciones de música inglesa.
- The Boston Early Music Festival: Un festival bien conocido que a menudo presenta obras del Renacimiento.
Grupos y Sociedades
- The Renaissance Society of America: Aunque no exclusivamente musical, esta sociedad ofrece recursos y conferencias sobre el Renacimiento, incluyendo su música.
- Sociedades locales de música antigua: Busca grupos o sociedades dedicados a la música antigua en tu área, ya que a menudo organizan conciertos, talleres y charlas.
Herramientas Interactivas y Online
- Petrucci Music Library App: Para explorar partituras de música renacentista.
- Spotify/YouTube: Para escuchar grabaciones de música renacentista inglesa.
Estos recursos proporcionan un buen punto de partida para cualquier persona interesada en explorar la rica y compleja música del Renacimiento inglés. Ya sea que prefieras la lectura académica, las experiencias interactivas o simplemente disfrutar de la música, hay opciones disponibles para profundizar tu comprensión y aprecio por este fascinante período de la historia de la música.
Entradas del blog sobre la musica del renacimiento inglés
Descubre los Ensambles Sonoros: Grupos Instrumentales en el Renacimiento
La Dulcet Dulciana: El Encanto de los Instrumentos de Caña en el Renacimiento
Renacimiento en Cuerdas: La Evolución del Violín y la Viola en la Era del Renacimiento
Delicadeza sonora: El arte y la artesanía de los constructores de instrumentos en el Renacimiento
Clavicordios y Virginales: Los Tesoros del Renacimiento Inglés en Teclados
